Gagner des P+, JEUX N°3: Art

ceci est les danseuses bleues de edgar degas
la date est de 1893
edgar Degas est un peintre, sculpteur et photographe français né le 19 juillet 1834 et décédé le 27 septembre 1917 à Paris.

La plupart des ouvrages consacrés à Edgar Degas, lorsqu'ils désirent le classer dans l'histoire de l'art, le rattachent au grand mouvement de l'impressionnisme, formé en France dans le dernier tiers du XIXe siècle en réaction à la peinture académique de l'époque. Les artistes qui en font partie, tels Claude Monet, Paul Cézanne, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Mary Cassatt, Berthe Morisot (1841-1895), Camille Pissarro, las d'être régulièrement refusés aux Salons officiels, s'étaient constitués en société anonyme afin de montrer leur art au public.

On résume souvent l'art impressionniste au rendu du plein air et aux effets de lumières. Ces caractéristiques ne sont toutefois pas applicables à Degas : même s'il est un des principaux animateurs des expositions impressionnistes, il ne trouve sa place dans le mouvement qu'au nom de la liberté de peindre prônée par le groupe. Au plein air il préfère, et de loin, « ce que l'on ne voit plus que dans sa mémoire ». Il aurait un jour dit à Pissarro : « Il vous faut une vie naturelle ; à moi la vie factice. »

Si Degas fait officiellement partie des impressionnistes, il ne les rejoint donc pas dans leurs traits les plus connus. Sa situation d'exception n'échappe pas aux critiques d'alors : bien qu'on dénonce son modernisme gênant, il est le moins controversé des artistes français de cette époque.

C'est gagné..;

2+1pts pour Amel

nouvelle oeuvre

alors c'est the scream de vik Muniz


Re-matérialiser des images ou des tableaux célèbres et photographier le résultat: Vik Muniz est familier du geste. Ses séries de reproductions recourent chacune à un matériau privilégié, dont l’inventaire est digne de Prévert: du beurre de cacahouète pour une Monna Lisa d’après Warhol (1999), des déchets pour le Saturne dévorant ses enfants de Goya («Pictures of Junk», 2005) mais aussi de la poussière («Pictures of Dust», 1999), des diamants («Pictures of Diamonds», 2004) et du caviar («Caviar Monsters», 2004) !

Chacun de ses matériaux donne corps à la peinture en question, et ébranle le regard très intellectualisé que nous avons pris l’habitude de jeter sur elle. Nous sommes en effet «désensibilisés» à la peinture: qu’est-ce pour nous un tableau classique si ce n’est une image mentale réduite à sa signification, comme une forme dépouillée de sa matière?
Le tableau ne s’offre au regard et à la contemplation qu’une fois que nous avons oublié qu’il était sensible et matériel. Vik Muniz inverse cette tendance à l’abstraction mutilante: il met au premier plan la dimension matérielle de l’œuvre et fait exploser sa puissance sensible, en sollicitant jusqu’aux sens prétendument les moins esthétiques comme le goût, si l’on songe au beurre ou au caviar.

À partir de neuf toiles très célèbres — entre autres le Cri de Munch, une Odalisque de Matisse, Les Coquelicots de Monet, un des Monochromes IKB de Klein, ainsi que deux Gauguin, un Klimt, un Malevitch et un Rothko — les Pictures of Pigment présentés à la galerie Xippas reprennent le même procédé mais avec la poudre de pigment, c’est-à-dire la couleur à l’état brut.
Les agrandissements photographiques tirés de ces compositions neutralisent toute visée contemplative, et redonnent sa chaire à notre mémoire picturale. Le regard peut presque toucher l’infinité des grains de cette poudre, savamment et patiemment disposée à la brosse et à la petite cuillère. Le tableau n’est plus une idée faite sensible: c’est un complexe de sensations où le sens risque la dissolution dans l’indéfini de la poudre.

Contre ce risque de dispersion, seule la distance de la représentation peut servir de principe de limitation. La poudre étant volatile, il faut la photographier pour pérenniser ces compositions. Elles ne nous sont donc pas présentées elles-mêmes, mais seulement par leurs images, auxquelles revient le dernier mot: ce sont elles, premier stade du sens et de l’abstraction par rapport à leur objet, qui nous font percevoir la matérialité de la peinture.
Ni purement sensibles ni totalement intelligibles, les Pictures of Pigment exacerbent la tension inhérente à toute œuvre plastique, sans la résoudre.

Erreurs dans la réponse..; Désolé je ne peux pas accepter...

the scream de Edvard Munch 1893 ou le cri perçant

Dans son célèbre tableau "The scream" (Le hurlement), ou "The cry" (Le
cri), Munch représente son obsession de la mort et de la maladie qu il'angoissait beaucoup.

L'hémorragie du vitré qu'il a présentée a dû participer à la grave dépression dont il souffrait. Tous les jours encore les patients ressentent cette inquiétude devant le phénomène très fréquent des corps flottants du vitré.


Le cri perçan

Une figure torturée pleurs contre un horizon rouge d'Oslofjord de sang dans Edvard ont mâché le cri perçant (1893), galerie nationale, Oslo.Le cri perçant (Skrik, 1893) est une peinture séminale d'expressioniste par l'artiste norvégien qu'Edvard mâchent. Considéré par beaucoup en tant que son travail plus important, il est indiqué par certains pour symboliser l'homme moderne pris par une attaque d'angst existentiel. Le paysage dans le fond est Oslofjord, vu de la colline d'Ekeberg. Le skrik norvégien de mot est habituellement traduit en tant que « cri perçant », mais est apparenté avec le cri perçant anglais. De temps en temps, la peinture s'est appelée le cri.

Il y a un tempera sur la version de carton (mesurant 83.5 x 66 centimètres) autrefois dans le musée de mâcher, Oslo, la Norvège (montrée ci-dessous), et une huile, un tempera, et un pastel sur le carton (mesurant 91 x 73.5 centimètres) dans la galerie nationale (montrée vers la droite), aussi à Oslo. Une troisième version est également possédée par le musée de mâcher, et un quart est possédé par Petter Olsen. Mâcher plus tard a également traduit l'image en lithographie (montrée ci-dessous), ainsi l'image pourrait être reproduite dans les revues partout dans le monde. Cependant, une version manque actuellement du musée de mâcher, volé par des voleurs d'art en août 2004.

Cette fois c'est la bonne!! lol


2+1 pour Amel...

Nouvelle oeuvre

Ca fait 4 jours que je suis sur ton tableau tonny mais impossible de le trouver. Vivement que betty revienne pour nous donner la reponse

Quentin METSYS (Louvain, 1465/1466 - Anvers, 1530)
Le Prêteur et sa femme
1514
Huile sur panneau
H. : 71 cm. ; L. : 68 cm.


Quentin Metsys (ou Matsys ou Massys)
Spécialité : peintre
Dates : Louvain, 1466 — Anvers, 1530
Origine : belge
C'est en 1491 que Metsys est mentionné pour la première fois comme peintre, à la ghilde d'Anvers. Il aurait été formé dans l'entourage de Dieric Bouts. Ses premières œuvres certaines datent de 1509. Artiste apprécié de la riche et puissante bourgeoisie flamande, il reste longtemps fidèle à l'héritage de Van der Weyden et de Van Eyck. Il l'infléchit toutefois progressivement en donnant à ses compositions un caractère plus lyrique et en usant de teintes moins éclatantes que ses prédécesseurs. Dans la première décennie du siècle, il reçoit plusieurs commandes de retables d'importance: l'un pour l'église Saint-Pierre de Louvain, le Retable de sainte Anne, achevé en 1509, et un autre pour la cathédrale d'Anvers, la Déploration du Christ, terminé en 1511. Les personnages, qui occupent la première place, montrent l'intérêt croissant de Metsys pour le rendu psychologique, qui pourra friser le caricatural - dans l'Adoration des Mages, par exemple. Ses teintes continuent de s'alléger jusqu'à rendre une sorte d'éclat translucide. Il subit l'influence certaine de Léonard de Vinci, laquelle peut se lire dans la Vierge à l'Enfant de Bruxelles. Il réalisa le meilleur de son œuvre avec ses fameux portraits de personnalités et de membres de la haute bourgeoisie flamande (Érasme, galerie Corsini, Rome; le Prêteur et sa femme , 1514, Louvre, Paris). Véritable fondateur de l'école d'Anvers, pionnier de la peinture de genre, Metsys exerça une influence déterminante sur le maniérisme allemand et sur la peinture de retable en Espagne et au Portugal. Il eut deux fils, également peintres.

Stéf tu vois ca ne t'a pas pris très longtemps pour trouver...

25 min entre tes deux derniers messages!!! lol


2+1pts pour toi...

Nouvelle oeuvre

La tour de babel de buegel

Pieter Bruegel l'Ancien (v. 1525 - Bruxelles, 1569) est un peintre flamand.

« C'est donc ainsi que cela se passe pour le projet « Breughel » et, à propos, Walter ne serait pas mécontent qu'on s'entende un peu sur l'orthographe, car messieurs les connaisseurs proposent Breugel ou Bruegel, ou encore Brueghel ou Breughel. Si déjà nous ne tombons pas d'accord là-dessus, messieurs, qu'est-ce que ça promet pour l'avenir de ce film, je vous le demande ! » Belladonna, Hugo Claus, Editions de Fallois,1995, Paris.
Quand on se penche sur la biographie de « Peter Bruegel, dit l'Ancien », on est surpris par les incertitudes des historiens. Où et quand est-il né? De quel milieu est-il issu? Pourquoi a-t-il changé l'orthographe de son nom? Qui a-t-il fréquenté? Les sources documentaires sont rares et on ne peut qu'émettre des hypothèses.

Les biographes anciens le font naître à Breda ou tout près, dans un village dont il aurait pris le nom. On soupçonne aujourd'hui une confusion possible entre Breda, ville du Brabant septentrional, sur le territoire hollandais et l'actuel Bree, nommée aussi à l'époque Breede, Brida ou Breda en latin, qui se trouve dans le Limbourg (Belgique) campinois.

On sait que Breughel est mort en 1569, « medio aetatis flore » et cette « fleur de l'âge » devrait se situer entre 40 et 45 ans. Il aurait donc vu le jour vers 1525, dans ces mêmes années où naissaient Philippe II d'Espagne... et Till l'espiègle (selon la Légende de Charles De Coster).

La première date certaine est 1551, année où l'artiste s'inscrit sur les liggeren (registres) de la Guilde de Saint-Luc à Anvers et y est reçu comme maître.

Selon Carl van Mander (1604), son unique biographe ancien, il fut l'élève de Pieter Coecke (1502-1550), artiste cultivé, doyen de la guilde artistique, à la fois peintre et architecte. Breughel épousera la fille de son maître, en 1563. Auparavant, « il alla en France et de là en Italie » : le tableau Port de Naples et quelques dessins témoignent de son périple. Il commence réellement son activité picturale vers 1557 ; il s'était consacré jusque là au dessin pour gravure. À Anvers, il fréquente les intellectuels, philosophes et artistes, à commencer par son mécène Nicolas Jonghelinck. On dit qu'il aimait participer à des noces paysannes auxquelles il se faisait inviter comme « parent ou compatriote » des époux. C'est en 1559 qu'il adopte une nouvelle signature, changeant l'orthographe de son nom Brueghel en Bruegel pour des raisons qui restent inconnues. En 1562 il s'installe à Bruxelles où sa maison de la rue Haute est toujours debout. Il aura deux fils : Pieter Bruegel le Jeune, dit Bruegel d'Enfer et Jan, dit de Velours, tous deux peintres. Il semble certain que Breughel l'Ancien ait reçu la protection du gouverneur des Pays-Bas espagnols, Perrenot de Granvelle, collectionneur de ses œuvres. On ignore tout de la personnalité du peintre, en dehors de ces quelques lignes de van Mander :

« C'était un homme tranquille, sage, et discret ; mais en compagnie, il était amusant et il aimait faire peur aux gens ou à ses apprentis avec des histoires de fantômes et mille autres diableries. »
L'art de Bruegel
La peinture de Bruegel est généralement présentée en trois périodes: les premières compositions qui fourmillent de personnages pris sur le vif ; le cycle des Mois qui raconte la marche du monde selon les lois de la Nature et les derniers tableaux où quelques grands personnages se détachent d'un paysage qui n'est plus qu'un fond.

Le peintre est en rupture avec ses prédécesseurs ou avec le goût italien de ce XVIe siècle. En faisant la jonction entre le Moyen Âge et la Renaissance, il dépasse l'art des Primitifs flamands et s'affranchit de celui des Italiens; l'unité de ses compositions, son talent narratif et son intérêt pour les « genres mineurs » en font un artiste inclassable dans l'histoire de l'art. Certains historiens se sont attachés à établir un lien entre Jérôme Bosch et Bruegel, unis par une tradition figurative. Bosch représente la fin du Moyen Âge, il est le dernier « primitif » et Bruegel commence un nouveau siècle, une ère moderne qui s'ouvre à la découverte de l'homme et du monde.
Cependant, l'œuvre de Bosch veut inspirer une terreur dévote, totalement absente de celle de Bruegel. Pour l'un, le monde n'est qu'un « rêve de Dieu » ou une tromperie du Diable ; la Nature est une tentation nuisible. Pour l'autre, l'action humaine prend au contraire toute sa valeur : joies ou défis au destin, l'homme doit tenter l'aventure malgré les menaces.


Contrairement aux peintres de la Renaissance, Bruegel n'a pas représenté de nu et ne s'est que fort peu intéressé au portrait. Ses personnages ronds sont très éloignés de la glorification des corps bien proportionnés. Dans ses tableaux dominés par la vie populaire, le peintre montre des paysans tels qu'ils sont dans leurs activités et divertissements. Pour la première fois dans l'histoire de la peinture, la classe rurale est humanisée dans une vision objective. Les têtes s'alignent et l'on sent l'artiste sensible aux émotions et aux faiblesses.


La tour de BabelMême les scènes bibliques de Bruegel se situent pour la plupart dans un village et la description de la place publique qui fourmille de monde prend plus de place que le thème (voir le Dénombrement de Bethléem). Au XVIe siècle, en effet, la rue et la place étaient des lieux de rendez-vous et de divertissements : jeux d'hiver, carnaval, procession et kermesse, danses ou rites campagnards, tout était prétexte aux réjouissances et le peintre a su raconter ces rassemblements que Philippe II, d'ailleurs, voudra interdire.

Pour les stoïciens, le monde est une construction bien ordonnée dans laquelle l'homme occupe une place précise et accepte son destin. Cette conception s'exprime dans la série Les Mois qui montre l'union profonde des êtres vivants soumis aux cycles naturels. En revanche, dans d'autres toiles, Bruegel semble craindre l'orgueil et la rébellion de l'homme contre l'ordre de la création (c'est Nemrod et sa folle entreprise, Icare et son rêve ou encore la punition des Anges rebelles). La joie peut cohabiter avec le danger si l'homme se soumet à la fatalité et s'intègre dans la symphonie des éléments naturels.

Pardon j'ai oublie un r a bruegel

BOnne réponse en plus avec tout ce que tu mets ca donne de la matière pour les enigmes du Chef...


2+1pts..

Nouvelle oeuvre

La toilette de Henri de Toulouse-Lautrec

1864 Naissance de Henri, Marie-Raymond de Toulouse-Lautrec-Montfa à Albi, en "l'Hôtel du Bosc". Fils du comte de Toulouse-Lautrec et de la comtesse Adèle, Zoé, Marie, Marquette Tapié de Céleyran, Lautrec porte un des plus grands noms de France et sa vocation d'artiste surprend un peu sa famille.

1879 Après une première fracture à une jambe, Lautrec se brise l'autre jambe à cause de fractures spontanées qui empêchent ses membres inférieurs de se développer. Il en reste infirme.

1881 Il arrête ses études et s'oriente vers l'atelier du peintre académique Bonnat sur les conseils de son premier professeur, Princeteau. Il commence à s'intéresser à l'art japonais et quitte l'atelier Bonnat pour celui de Cormon l'année suivante.

1884 ll s'affranchit de plus en plus de l'académisme et s'installe à Montmartre au coeur de la vie nocturne.

1885 Aristide Bruant ouvre le cabaret Le Mirliton. Lautrec fréquente les cabarets de Montmartre.

1891 Henri de Toulouse-Lautrec expose chez Le Barc de Boutteville, avec Anquetin, Emile Bernard, Pierre Bonnard et Maurice Denis. II signe sa première affiche qui le rend célèbre: Moulin-Rouge (La Goulue).

1892 Lautrec réalise une affiche pour son amie Jane Avril, danseuse dans le quadrille du french cancan ; il l'a aussi représentée dans le Divan Japonais, dans Jane Avril au Jardin de Paris, 1893, et dans une derniere affiche Jane Avril en 1899. Lautrec fait la première affiche de la série des Bruant, Aristide Bruant aux Ambassadeurs.

1893 Il entre dans le milieu de la Revue Blanche et devient familier des frères Natanson, de Tristan Bernard et Romain Coolus. Il fréquente assidûment des maisons closes et se passionne pour le théâtre.

1895 La Goulue lui demande un décor pour sa baraque foraine, voyage avec son ami Joyant à Londres où il rencontre Oscar Wilde et Whistler.

1896 Il emménage au 30, rue Fontaine et voyage en bateau avec son ami Joyant jusqu'à Lisbonne (La passagère du 54). Il se passionne pour le cyclisme et suit Tristan Bernard dans les vélodromes.

1897 Nouvel atelier 15, rue Frochot.
Publication de l'album Elles, fruit de son travail dans les maisons closes, dont le frontispice est utilisé en affiche.

1898 Exposition à la Galerie Goupil à Londres. Lautrec publie son deuxième album consacré à Yvette Guilbert.

1899 Lautrec est interné pendant trois mois dans une maison de santé.

1901 Il meurt à Malromé auprès de sa mère. Son corps est inhumé à Verdelais.

Réponse exacte....

2+1pts...

Nouvelle Oeuvre

Christ carrying the cross de Bosch.
En francais ''le portement de croix avec sainte veronique''


JEROME BOSCH
(1453-1516)

De son véritable nom Hieronymus Van Haken, Jérôme Bosch est né dans une famille modeste originaire d'Aix la Chapelle, venue s'installer en Pays Bas deux siècles plus tôt.
Son grand-père Jan Van Haken et son père Anthonis Van Haken ont exercés déjà le métier de peintre, quand Hieronymus naît vers 1453 à S'Hertogenbosch au Pays Bas. On sait assez peu de chose sur sa vie, mais on sait qu'il se marie vers 1478 avec une aristocrate qui lui permet d'accéder à un statut social plus enviable et à une certaine sécurité matérielle. Vers 1486, Jerôme Bosch est cité comme membre d'une confrérie, "La Confrérie Notre Dame", proche d'une secte hérétique "Les Frères du Libre-Esprit".

Une citation de 1509 dans les registres de "La Confrérie de Notre Dame" le fait apparaître comme étant "Jheronymus Van Haken, le peintre qui signe "Bosch". C'est peut être pour se différencier des peintres de sa famille, mais aussi des villes des écoles néerlandaises qu'étaient Bruges, Louvain ou Tournai qu'il prend pour nom de peintre le nom de "Bosch" qui signifie "bois".

Jérôme Bosch meurt en 1516 à S'Hertogenbosch. Il aura été le peintre du réalisme de son époque, en sembant avoir exprimé de manière détaillée les travers de son temps et voulu mettre à la portée de tous, une symbolique morale, dans laquelle chacun a la possibilité de se reconnaître et trouver le chemin de son salut. Il exprime indiscutablement le renouveau spirituel dont l'époque a besoin et qui apparait peu après dans les oppositions entre Luther et Erasme, et la représention et le souhait d'un monde nouveau dans "L'Utopie" de Thomas Morus.
L'oeuvre et le mondede Jérôme Bosch exprimant la hantise de l'enfer, et les travers humains dans une oeuvre habitée de symboles, de mystères et de monstres, fera des émules à sa suite, dont Bruegel sera le plus important. Son oeuvre fortement décriée au XVIIIéme siècle, sera à nouveau redécouverte au XXème siècle avec les surréalistes, qui verront dans certaines de ses oeuvres la meilleure expression picturale des angoisses et de l'inconscient.

OK BONNE R2PONSE 2+1PTS POUR STEF

Nouvelle oeuvre

Personne ne veut repondre??

Un des artistes les plus connus du XXe siècle, installés en France, avec Picasso (1881-1973) et Matisse (1869-1954).

L'artiste est décédé entre 1980 et 1990...

A vos recherches!!!!!

Double Portrait au verre de vin. Le peintre nous invite à un mariage cosmique : celui de la terre et de l'eau, de l'air et du feu, des amants Marc et Bella.
Marc Chagall (biél. Марк Шаґал), ou de son vrai nom Moishe Zakharovich Shagalov (biél. Мойша Захаравіч Шагалаў) (Moishe Segal) est un peintre biélorusse d'origine juive. Il est né le 7 juillet 1887 à Vitebsk, en Biélorussie (laquelle faisait à ce moment-là une partie dépendante de la Russie tsariste), et mort le 28 mars 1985 à Saint-Paul de Vence.

Biographie

Aîné d'une famille de 9 enfants, il commence à travailler dans des ateliers à la fin de ses études. En 1910 il part étudier à Paris grâce à une bourse, et expose ses travaux pour la première fois en 1914. Il retourne ensuite en Russie à cause de la guerre. Là il continue à peindre et à exposer ; il conçoit des décors de théâtre et commence à écrire son autobiographie.

Il retourne en 1922 à Berlin puis à Paris. Ses œuvres sont connues aux États-Unis, où des expositions sont organisées. Au début des années 1930 il voyage beaucoup avec sa famille, mais en 1935 il prend la nationalité française pour fuir l'antisémitisme de l'Europe centrale. En 1941, devant l'avancée allemande il part pour l'Amérique. Sa femme, Bella, meurt en 1944 ; cet événement marque le choix de ses sujets à cette époque.

Après la guerre les œuvres de Chagall sont à nouveau exposées en Europe. Il retraverse l'Atlantique en 1948, pour s'installer à Vence, en France où il aide Frans Krajcberg à partir pour le Brésil.
Il se remarie en 1952 avec Valentina Brodsky (1889-1985).

Maeght vend ses œuvres à travers le monde entier. Ses techniques se diversifient : gravure, mosaïques, vitraux… Il continue de peindre des décors, conçoit des costumes pour l'opéra de la Flûte enchantée.

En 1973 à lieu l'inauguration du Musée national Message Biblique Marc Chagall à Nice, pour son 86e anniversaire.
Il finit sa vie à Saint-Paul de Vence, en France, célèbre et reconnu dans le monde entier.

Style et techniques

On peut rattacher Chagall au courant surréaliste, dont il est l'un des composants majeurs, puisque son travail laisse une large part à son imagination et ses rêves. Si d'un mot, on pouvait caractériser son œuvre, on parlerait de « chromatisme onirique ».

Il dort, il est éveillé, Il prend une église et il peint avec une église , Il prend une vache et il peint avec une vache , Avec une sardine… (Blaise Cendrars)

Il s'est essayé à de nombreuses techniques graphiques : gouache, aquarelle, pastel, encre, collage, gravure sur cuivre et lithographie.

Portrait psychologique

Bien que parfois engagée, son œuvre pleine de références au pays de son enfance, la Russie juive, semble souvent échapper totalement aux guerres qui l'entourent.

Il sait faire partager ses sentiments au travers de couleurs très vives et pleines de légereté. Quand il peint son couple survolant sa ville natale, il montre un esprit bohème et souvent détaché de la réalité. Main dans la main avec sa compagne, il exprime alors un amour omni-présent et un regard bienveillant sur le monde. Son œuvre est tour à tour théâtre juif, message biblique, rêves ou images comme sortie de son inconscience:

Mon cirque se joue dans le ciel Il se joue dans les nuages parmi les chaises Il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière (Marc Chagall).

L'artiste semble se poser lui ou son couple en observateur du monde mais d'un monde bien coloré comme vu à travers des vitraux.

Il en aura fallu du temps pour trouver la réponse..
Heureusement que Betty est la ...

BONNE REPONSE 2+1pts...

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